줄리앵 마리네티 Julien Marinetti

예술가 줄리앵 마리네티는 무엇보다 장인이길 자처한다. 그의 구상조각은 흙, 주조, 그리고  내재적인 아름다움을 위해 선택한 필수적 매체인 청동으로 만들어진다.

 

미친 개 같은

Doggy John 의 눈으로 끊임없이 새로운 것을 만들고 개발해나가는 조각과 회화의 연상선에 있다. 이 동심어린 소년은 천개의 의상을 입고 장면마다 다르게 펼쳐진다.



아웃사이더의 길

여기 있는 불독은 호화롭게 바뀌고 있다. 파리의 신화적 장소인 아테네 플라자에서 지난 해 기획전으로 그의 작품 몇 점이 소개되었다. 매디슨 에비뉴 455가에 있는 뉴욕 플레이스에서는 작가의 기념비적 작품《Daggy John》20여점이 2011년 9월 말까지 전시되었다. 이 페인트와 래커로 칠해진 청동 개들은 바로 프랑스인 아웃사이더에 다름아니다 : 그의 이름은 줄리앵 마리네티 Julien Marinetti

 

.
 반짝이는 것들. 하지만 조금 느린 듯한 성공-44세-

 

에도 그는 그만의 독창적인 창조물을 위해 흔들거리며 진전해왔다.

 

예술의 사랑은 마리네티의 핏줄을 타고 흐른다. 그의 조부는 여가시간에 그림을 그린다. 그리고 멀리 떨어져 사는 부모님 필리포 토마소 마리네티 Philippo Tommaso Marinetti 는 이탈리아에서 미래주의와 때때로 교류했다. 아버지는 사진작가이며 어머니는 연극 학교의 책임자였다. 그 곳에서 쥴리앵은 보자르 문화를 익히게 되었다. 지베르니, 1974년으로 기억한다 : 《더 이상 읽지 않고도 알 수 있는 모네를 존경하게 되었다. 그의 이미지를 보는 것만으로도 충분했다.》라고 그는 말한다. 그는 학교로 돌아갔고, 명상을 일삼았다. 루브르의 걸작들을 감상하며, 폴 벨몬도 Paul Belmondo 의 회화작품이 있는 아틀리에를 방문하곤 했다. 성인이 된 이후부터, 그는 조각하고, 그리며, 쉬지 않고 뎃셍을 하였다. 확실히 : 예술가의 삶이라는 것, 그것이었다. 하지만 그 성과는 없었다.

 

전세계적 아이콘이 된 개

여러해에 걸쳐, 낭만적이기도 했던 일들을 전전했다. 《그리스 섬에서의 서적상인, 만화 수업에서 뎃셍 강사, 무용학교에 감독관 등...을 했어요. 지금은 지나간 일이지만!》하지만 그럼에도 그는 회화에 매료되었고, 물감과 캔버스, 붓 따위를 살 수 있는 여건만 되면 작업을 계속 이어나갔다. 《7일 내내, 마음 속 깊이 창작을 한다면, 자신이 완전히 아무 것도 아닌 존재처럼 여겨진다. 끝도 없는 우울의 나락으로 떨어지고 마는 것이다.》명성을 얻는 다는 것은 어디까지나 바램이기 때문이다. 이 혹한기 속에서, 쥴리앵 마리네티는 허풍떠는 바깥 세상을 향해 염세적인 권태를 마음 속에 지녔다 :《내가 스스로 부끄럽지 않은 순간까지, 내 전시회를 미루고 싶었다.》그의 고백이다. 그의 자신감은 Doggy John 에서부터 나타나기 시작했다. 익명으로 발생한 개이기 때문이다. 이 낯선 모티브는 1998년 회화로 먼저 나타났다. 우연히 말이다.《난 모델료로 쓸 돈이 없었습니다. 그래서 내가 기르던 불독을 칠하기로 한거죠!》즐거운 듯, 그가 말한다. 개가 조각으로 된 이후, 그는 John이라 부르기로 하였다. Tom Ford^[각주:1] Richard Buckley 를 참조한 것이었다 : 패션계의 이 두 스타는 그의 개, 이름이 존 john 인 폭스-테리어와 자주 산책하곤 하였다.
여기 그의 뎃셍이 있다. 쥴리앵 마리네티는 그의 공격적인 채색화를 3D로 변환한 듯하게 청동으로 개를 만들기로 하였다. 그의 작품을 본 갤러리스트 로랑 코컹 Laurent Coquant 이 매료되기에 충분했다. 《회화-조각》을 충분히 맡아 탐색한 후에, 그의 잠재성을 발견하고 전시 카달로그에 그의 이름을 올렸다. 쥴리앵은,《그는 진정한 인도자입니다. 나를 사방으로 알리고 있죠. 하지만 그게 지옥같은 리듬을 강요하기도 하죠.》라고 말한다.
 Doggy John으로 성과를 보기 위해 치러야 할 댓가일 것이다. 이후에, 쥴리앵 마리네티는 더이상의 전매권에 동의하지 않고 혼자 길을 가게 된다 : 제네바의 갤러리, 뉴욕, 파리 등등. 이미 그의 이름은 알려지고 있는 중이었다 ; 그의 회화-조각의 원칙은, 오리 Kwak, 곰 Popy, 해골 Skull 으로 확장되어갔다. 순진하면서 동시에 형광빛의 생생간 작품들에 부유한 수집가들이 열광하기 시작했다. 하지만 이런 성공때문에 그의 갈증이 해소되었다고는 생각하지 말라 : 그는 밤낮으로 조각하고, 연마하고, 래커칠한다. 현재 열광적으로, 새로운 형식을 찾아, 추상도 구상도 아닌 거대 작품을 위해 전속력으로 작업한다. 쥴리앵 마리네티는 예술계의 미친 개, 절대 배부르지 않는 식욕의 소유자이다.

해석

형태의 탁월함

쥴리앵 마리네티에게 논쟁, 정치, 개념은 무의미하다. 그의 목표는 이렇다 : 형태와 기술적으로 가장 아름다워 보일 것. 이를 위해 그는 두개의 매체를 사용한다 : 회화와《회화-조각》이다. 전자는 심리적인 동요를 보여주며, 그만의 언어로 완성되는 듯하다 : 대형 캔버스는 추상적 모티브들이 충돌하며 생동감있다. 회화-조각에도 이러한 모티브는 이어진다. 그는 구상조각-개, 곰, 오리, 해골 등등-을 3D 캔버스로 여긴다. 이를 위해, 우선 판형으로 작업한 것을 주조한다. 그는 작업에서 핵심과 같은 청동을 주조한다. 작가는 이렇게 밝힌 바 있다 :《청동 물질에 내재하는 아름다움에서 멀어질 수록, 예술에서 멀어지는 것이다.》매우 고전적인 방법과 기술로 아름다움을 창조하는 것이다. 쥴리앵은 전통을 이렇게 정의한다.

색채의 과감함

 회화-조각을 하는 작가에게 색채는 불가피하게 분출적인 요소로 다뤄진다. 2000년대 초기 Doggy John 첫 작품이 단색이었음을 믿기는 어려울 것이다. 하지만, 그 증거는 분명하다 : 교차되는 색은 이 평면을 채찍질한다. 그리고, 회화-조각에서 《도취적 가치》를 부여한다. 그의 순수한 회화는 이런 수식어를 거부하지 않는다. 서로 얽혀있는 색채들, 형광 오렌지색, 로즈색, 사과 빛 녹색, 창백한 청색 등은 화폭 위로 흘러넘친다. 쥴리앵 마리네티가 외치는 것, 그것은 색채이다.

깊은 영향

우리는 쥴리앵 마리네티에게서 바스키아 Basquiat^[각주:2] 를 연상하지 않을 수 없다 : 충격적 채색방법, 부족집단의 무의식적 차용등이 그렇다. 또한 위프레도 람 Wifredo Lam ^[각주:3]역시, 전체적인 혼돈 속에 실루엣이 드러난다는 점에서 연상할 수 있다. 하지만 쥴리앵 마리네티는 그보다 다른 것에 영향을 받았다고 주장한다. 대서양 예술이나 폭력을 동경한 다른 모든 지역이 그렇다. 관객들은 회화나 회화-조각작품에서 얼굴, 무서운 가면등에서 이런 점을 찾을 수 있다. 한편, 마리네티는 또 다른 색의 마술사를 언급한다 : 파블로 피카소 Pablo Picasso^[각주:4], Henri Matisse^[각주:5] , 페르낭 레제 Fernand Léger^[각주:6], 카럴 아펄 Karel Appel ^[각주:7]이다. 또, 카라바조 Caravage^[각주:8] 프란시스 베이컨 Francis Bacon ^[각주:9]이 신체나 실루엣을 다룬 방식도 빠뜨리지 않는다.《그들은 모두 내 무의식 속에 있습니다. 나는 통찰력이 부족한 사람이기 때문에, 항상 나의 초자아가 그림을 그린다고 생각하거든요.》그가 확신에 찬 태도로 말한다. 쥴리앵 마리네티는 늘 거장들과 대화하는 듯하다.

작가의 동굴

이브르 쉬르 센 Ivry-sur-Seine 지역의 오래된 도축 공장시설이 쥴리앵 마리네티가 아틀리에로 정착한 곳이다. 이 회색조의 어두운 건물에서 매년 수백개의 Doggy John 과 다른 채색작품이 만들어진다. 우리는 작가가 보조 작가들에 의해 둘러싸여 작업 라인을 차례대로 따르며 작품을 생산하는 모습을 상상하였다. 하지만, 틀렸다. 그는 거의 혼자 작업한다. 한 명의 조수만이 스케쥴을 관리할 뿐이다. 우리가 내부로 들어가지, 사방에 캔버스가, 벽에, 그리고 노출콘크리트 바닥에 있었다. 어디에나 그의 페티쉬적 조각, Doggy John 이나 곰 Popy 등이 미니사이즈나 대형사이즈로 있었다.
 그리고, 물감통이 12여개, 붓들이 종류별로 정리되어있었다. 우리 눈 앞에《예술가의 아틀리에》에 갖는 자유분방함이나 글자 그대로 환상이 펼쳐졌다.
 

구석에 정리가 안되어 있었다 : 붉은 빛의 운동용 벤치가 있었다. 그는 근육질을 만들기 위해 거기 앉지 않는다. 몇 킬로그램 무게의 청동작품을 다루기 위해 매일 대형 화폭을 운반하기 위해서이다.《지난 해, 난 400여졈을 판매했습니다. 하지만 거기에 600여점을 생산해야했죠. 》스타하노프 운동^[각주:10]주의자는 과도하지 않게 사라진다.《내가 그림을 그리지 않는다면, 정신병원의 VIP손님이 되있을 겁니다.》라고 덧붙인다. 그는 그림그리듯 말한다 : 빠르고 많이. 달변을 쏟아내느라 그는 전화벨소리도 잊는다.《아, 아마 상인이거나 거물 구매자일 겁니다. 뭐, 누구든 상관없어요. 계속 울리겠죠.》그가 조롱하듯 말한다. 우리는 2층으로 갔다. 거기엔 어린 시절 그림이 있었다. 그는 50여점을 보여주며 즐거운 듯 말했다:《내가 했던 걸 보면, 가끔 너무 조악해요!》사실, 네오큐비스트와 팝 아트 주변에선 그의 스타일은 오랜 기간 습작 후에 만들어진 것이다. 그의 처녀작 불독은 지금의 Doggy John 의 선조격인 셈이다 ; 이 회색의 송곳니는 유화이다. 1998년의 작품은 수많은 작품에서 이어진다. 이런 확장을 통해, 쥴리앵 마리네티의 세계는 이어진다.

출처 : Beaux Arts Magazine. 2011 05 .
기사 : Thomas Jean
번역 : PLONGEUSE ( 잠수부 )

1. Tom Ford is openly gay, and he and his partner, journalist Richard Buckley, have been together since 1986.[19] Buckley was the former Editor in Chief of Vogue Hommes International. Buckley was diagnosed with cancer in 1989 and after his recovery the two moved from New York to Italy.[20] [본문으로]
2. Jean-Michel Basquiat (December 22, 1960 – August 12, 1988) was an American artist.[1] His career in art began as a graffiti artist in New York City in the late 1970s, and in the 1980s produced Neo-expressionist painting. [본문으로]
3. Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla (December 8, 1902 – September 11, 1982), better known as Wifredo Lam, was a Cuban artist who sought to portray and revive the enduring Afro-Cuban spirit and culture. Inspired by and in contact with some of the most renowned artists of the 20th century, Lam melded his influences and created a unique style, which was ultimately characterized by the prominence of hybrid figures. Though he was predominantly a painter, he also worked with sculpture, ceramics and printmaking in his later life. [본문으로]
4. Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, known as Pablo Picasso, (Spanish pronunciation: [ˈpaβlo piˈkaso]; 25 October 1881 – 8 April 1973) was a Spanish painter, sculptor, printmaker, ceramicist, and stage designer, one of the greatest and most influential artists of the 20th century. He is widely known for co-founding the Cubist movement, the invention of constructed sculpture, [2] [3] the co-invention of collage, and for the wide variety of styles that he helped develop and explore. Among his most famous works are the proto-Cubist Les Demoiselles d'Avignon (1907), and Guernica (1937), a portrayal of the German bombing of Guernica during the Spanish Civil War. Picasso is commonly regarded, along with Henri Matisse and Marcel Duchamp, as one of the three artists who helped to define the revolutionary developments in the plastic arts in the opening decades of the 20th century, responsible for significant developments in painting, sculpture, printmaking and ceramics. [4][5][6][7] Picasso demonstrated extraordinary artistic talent in his early years, painting in a realistic manner through his childhood and adolescence; during the first decade of the 20th century his style changed as he experimented with different theories, techniques, and ideas. His revolutionary artistic accomplishments brought him universal renown and immense fortune, making him one of the best-known figures in 20th century art. [본문으로]
5. Henri-Émile-Benoît Matisse (French pronunciation: [ɑ̃ʁi matis]; 31 December 1869 – 3 November 1954) was a French artist, known for his use of colour and his fluid and original draughtsmanship. He was a draughtsman, printmaker, and sculptor, but is known primarily as a painter. Matisse is commonly regarded, along with Picasso and Marcel Duchamp, as one of the three artists who helped to define the revolutionary developments in the plastic arts in the opening decades of the 20th century, responsible for significant developments in painting and sculpture.[1][2][3][4] Although he was initially labelled a Fauve (wild beast), by the 1920s he was increasingly hailed as an upholder of the classical tradition in French painting.[5] His mastery of the expressive language of colour and drawing, displayed in a body of work spanning over a half-century, won him recognition as a leading figure in modern art.[6] [본문으로]
6. Joseph Fernand Henri Léger (February 4, 1881 – August 17, 1955) was a French painter, sculptor, and filmmaker. In his early works he created a personal form of Cubism which he gradually modified into a more figurative, populist style. His boldly simplified treatment of modern subject matter has caused him to be regarded as a forerunner of Pop Art. [본문으로]
7. Christiaan Karel Appel (25 April 1921 – 3 May 2006) was a Dutch painter, sculptor, and poet. He started painting at the age of fourteen and studied at the Rijksakademie in Amsterdam in the 1940s. He was one of the founders of the avant-garde movement Cobra in 1948.Karel Appel, 1921.4.25~2006.5.3] 요약 네덜란드의 화가. 1948∼1951년 '코브라' 그룹의 대표적인 멤버로 활약하였다. 또 1958년에는 파리의 유네스코본부와 브뤼셀 국제박람회 네덜란드관(館)에 각각 장식화를 그렸다. 자유분방한 색채를 구사하여 격렬한 터치와 단순화한 윤곽선으로 형상(形象:주로 인간상)을 나타내지만, 그것은 현상의 단순한 모사(模寫)가 아니라 그리는 행위와 내적인 이미지와의 격돌에 의하여 초래되는 주관의 표출이며, 환시(幻視)의 형상이었다.[출처] 카럴 아펄 [Karel Appel ] | 네이버 백과사전 [본문으로]
8. Michelangelo Merisi da Caravaggio (Italian pronunciation: [kara'vaddʒo]; 29 September 1571 – 18 July 1610) was an Italian artist active in Rome, Naples, Malta, and Sicily between 1593 and 1610. His paintings, which combine a realistic observation of the human state, both physical and emotional, with a dramatic use of lighting, had a formative influence on the Baroque school of painting.[ [본문으로]
9. 프랜시스 베이컨 [Francis Bacon, 1909~1992] 요약 영국의 화가. 제2차 세계대전 말기부터 유채화에 본격적으로 손을 대어, 강렬한 표현력으로 주목을 끌었다. 주제가 되는 인물이나 동물은 과거의 명화나 사진을 통해 얻고, 이를 상징적인 유기적 형태로 변형시켜, 기하학적으로 구성한 폐쇄공간 안에 배치하였다. 그로테스크한 묘사는 실재에 대한 인간의 불안과 공포를 표현한 것으로 여겨진다. 작풍은 초현실주의에서 추상표현파와 비슷한 모티프의 변형과 격렬한 필치구사로 변해갔다.[출처] 프랜시스 베이컨 [Francis Bacon ] | 네이버 백과사전 [본문으로]
10. 사회주의적 경쟁의 한 형태이다. 1935년 소련의 탄광부 A.G.스타하노프가 새 기술을 최대한으로 이용, 공정을 변혁함으로써 경이적인 생산증가를 초래한 데서 유래하였다. 스타하노프는 1935년 8월 31일 교대시간 내 노르마(norma 기준량)의 14배에 달하는 102t을 채탄하는 기록을 세웠다. 전국 노동자에게 ‘그에게 배우라’는 운동이 전개되고, 높은 기록을 올린 노동자는 ‘스타하노프 노동자’라고 하여 높은 임금을 받았다. 스타하노프운동은 노동자의 동지적 협력과 상호원조에 의하여 창조력을 발휘시킴으로써 노동생산성과 생산량을 증대시키려는 것이며, 사회주의로부터 공산주의로 이행하여 두뇌노동과 육체노동과의 대립을 해소하는 한편, 필요한 노동생산성을 달성하기 위한 유일한 방법이라고 주장하였다. 그러나 이 운동은 노동강화에 저항하는 일반노동자의 반발을 불러일으켰을 뿐만 아니라, 생산성향상에 대한 조건부적 책임을 져야 할 현장경영자의 반발을 초래하여, 현장에서는 여러 가지 혼란이 야기되었다. [출처] 스타하노프운동 [─運動, Stakhanovskoe dvizhenie ] | 네이버 백과사전 [본문으로]